miércoles, 29 de febrero de 2012

Jeff Litman : The Artist


El siete de este mes salió al mercado el segundo disco del músico ubicado en Nueva York Jeff Litman, titulado “Outside”. Fiel continuador del maravilloso álbum debut de Litman que atendía por “Postscript” y que apareció por estos pagos en 2009.

Jeff Litman es un multiinstrumentista que terminó graduándose en la Manhattan School Of Music con matrícula de honor tanto en la categoría de Clásica y jazz como en Rock. Y no es para menos. En su Minneapolis natal, Litman ya tocaba la guitarra y el piano a la edad de seis años, desarrollando con el paso del tiempo un dominio sobre los diferentes instrumentos de Pop y Rock.

“Outside” es una maravilla de sonidos PowerPop y Rock N Roll plenos de contagiosas melodías y canciones escritas con el corazón y un talento arrollador.
Grabado a caballo entre Nueva York y Minneapolis, el disco cuenta con la colaboración de gente como Andy Thompson, Michael Bland o Roger Joseph manning jr.

Litman podría ganarse la vida cómodamente como profesor de guitarra clásica, en la que es un verdadero genio, o impartiendo clases de música, o como músico de sesión, habida cuenta del dominio del autor en casi todos los instrumentos del mundo del Rock. Sin embargo, Litman decidió lanzarse a ese vertiginoso vacio que es publicar discos en este mundo de hoy en día. Y en un estilo tan resbaladizo como puede ser el PowerPop donde pululan tantos advenedizos.

Pero este no es el caso de Jeff Litman; “Over And Over”, “Runaway”, "Outside", "What Hasn't Happened Yet" y "Just Another Dream" son sólo varias muestras de la belleza, las contagiosas melodías y el poderoso talento de este músico que me tiene enganchado y llena de luz noches cabronas y días sin sol.


Jeff Litman - Runaway

Jeff Litman - Over And Over



Don't Want to Talk About It - Live in NYC por jefflitmanmusic

lunes, 27 de febrero de 2012

Pink Floyd : Shine On In Tour 1977


Los Bootlegs… Esos pedazos de historia encapsulados en cintas, conseguidos a base de tesón, ingenio y habilidad (esconder la grabadora para entrar a un concierto era un arte). Discos que capturaban al artista en cuestión tal y como era, con sus fallos, con sus aciertos, pero sobre todo sin ser adulterados después en estudio. La historia de los grandes live albums está plagada de regrabaciones en estudio, de retoques innecesarios, o de público añadido que poco tenía que ver con la grabación en cuestión. Aún así yo soy un gran fan de los live albums, a sabiendas de que muchos de ellos tienen “trampa”, pero los disfruto igualmente. Hay discos en los que parece no haber trampa ni cartón, If You Want Blood…. de AC/DC por ejemplo, en el que se escuchan hasta los acoples de guitarra, Double Live Gonzo de Ted Nugent, Irish Tour y Live In Europe de Rory Gallagher, el Hammersmith de Motorhead, o It’s Alive de Ramones, entre otros. Escuchar las canciones mientras el público corea el estribillo, oir los solos, incluso con el eco propio del pabellón, te transporta al mismísimo concierto. Hay otros sin embargo tan pulcros, tan cristalinos, tan retocados, que parecen haber sido grabados en la sala de espera de un hospital de pago. Pero también me gustan. Digamos que un buen bootleg vendría a ser como un documental, y un disco oficial retocado sería el equivalente a una película.


El tema de los Bootlegs es sin embargo bastante delicado. Hay discos piratas con un sonido absolutamente aberrante, inescuchable, solamente recomendables para fans obsesivos, y hay otros que parecen sacados directamente de la mesa de mezclas. El Shine On In Tour vendría a ser uno de éstos últimos. Sin ser el súmum del sonido, nos ofrece a unos Pink Floyd en su mejor época, presentando Wish You Where Here, el cual tocan entero y en riguroso orden. La presentación del disco está verdaderamente lograda, una bonita portada negra y plateada, el cartón de la carpeta duro y de calidad, y la sensación de que los responsables de ésta edición han querido recuperar el espíritu de los viejos discos piratas del pasado. Y todo ello en una edición en vinilo en pleno 2011, que es lo sorprendente. Incluso han pirateado el logotipo de EMI imprimiendo el sello en las galletas interiores junto al listado de las canciones, lo cual le confiere la apariencia de un disco oficial.


En cuanto al contenido, resulta sorprendente como unas canciones que conozco de memoria (no en vano he escuchado el disco infinidad de veces), pueden sonar tan diferentes en directo. La base es la misma, la línea vocal también, pero los pequeños cambios que hacen aquí y allí, el desarrollo instrumental de David Gilmour a la guitarra que nunca se ciñe a la version en estudio, la forma de cantar, y sobre todo la crudeza de la interpretación, lo convierten en un documental sonoro que nos descubre como era el universo Pink Floyd allá por 1977. Sí, ya se que varios temas de Wish You Where Here han aparecido en directos posteriores (Pulse, Delicate Sound Of Thunder) que no dejan de ser las típicas superproducciones de los 90, pero lo que aquí nos ofrecen está libre de artificios, no tenemos coristas, ni tres guitarras, ni percusionistas, ni dos bajos, ni tres teclistas, ni dos baterías…... Aquí tenemos a los cuatro tipos que compusieron y grabaron esas canciones, con la simple ayuda de un saxo, tocándolas a pelo, sin trampa ni cartón.

El dependiente y dueño de la tienda de discos donde compré este Shine On In Tour, me comentó hace poco que la misma gente que ha editado éste disco están ultimando el siguiente lanzamiento, nada menos que el directo de la gira de Animals. Ya tardan.


Pink Floyd - Shine on Live Boston june 27 1977


viernes, 24 de febrero de 2012

Lucero : Luces del Ocaso


“I see your face when I close my eyes I hear your name when the wind's just right
The setting sun's gone once more Each night's worse than the night before
Now I can't stand to leave you I can't take the weight of this world on my own I don't know what I'll do I don't think I can make it all alone” Así canta Ben Nichols y de una manera magnifica lo secunda la banda llamada Lucero en este su décimo y maravilloso disco Women And Work.

Lo han vuelto a hacer. Los de Memphis han parido una puta maravilla que bascula entre los sonidos terrosos y llenos de acentos alcohólicos que han caracterizado a la banda y ese acercamiento sincero y entregado a la música que mama de los ritmos clásicos del Rock N Roll. Y esto significa desde Leadbelly y Howlin´Wolf a Credence Clearwater Revival, Little Richard, Joe Tex, The Doors o Bruce Springsteen and The E Street Band.

Guitarras poderosas, pianos que se pasean por la canción con un insidioso deseo de hacerte mover, poderosos metales que deshacen las legañas emocionales y una voz que es como una torrentera descargando unas letras entregadas y llenas de perdedores y caídos que nunca han sido ángeles. Tipos, tiparracos y gentuza que podrían, como mucho, ser secundarios de un cuento de Bukowski.

Oir temas como "I Cant´t Stand To leave you" con una enrevesada construcción sonora que se va iluminando conforme se desarrolla la canción. O " On My Way Downtown" con ese sonido pegajoso tan lleno de esa purpurina que tanto amaba el reverendo Richard, que te llevan a ese hermoso final, bañado de Gospel que es "Go Easy" y que pintará una sonrisa en tu cara que tardará días en desaparecer; hablan mucho y muy bien del grupo.

Todo se desparrama en canciones poderosas e interpretadas con el corazón y las tripas.
Esto es, amigas y amigos Women And Work..Problemas cotidianos, lamentos de tercera categoría, lloros patéticos y canciones desde el corazón.

Lucero…han pasado tres años desde 1372 Overton park...la ostia como los echaba de menos.


Lucero: Like Lightnin´

Lucero: I Can't Stand To Leave You




miércoles, 22 de febrero de 2012

Alabama Shakes: Nashville Shocks And Austin Rocks


El que una banda se bautice como Alabama Shakes es toda una declaración de intenciones por parte de sus miembros respecto de los sonidos y la carretera que pretenden transitar.
O no.
Porque Heath Fogg - Guitarra, Brittany Howard - Guitarra y voz, ¡y qué voz por san Otis Redding!, Zac Cockrell – Bajo, Ben Tanner a las teclas y Steve Johnson – Batería y voz, se han cubierto con las mantas del más puro Soul de finales de los sesenta y primeros setenta; tamizados, eso sí, por un predominio de las guitarras y caricias al Rock N Roll, el Boogie Rock o el Blues. Aunque esto no impide que suenen maravillosos metales a lo largo de las canciones y se escape algún Hammond que te pone los pelos como escarpias.

Los de Athens acaban de sacar al mercado su primer álbum, tras la publicación, el año pasado de un soberbio EP de cuatro canciones llamado igual que la banda.
“Boys And Girls” contiene once maravillosas canciones que envenenan tu alma y te cubre se sentimientos agridulces. Las canciones, poderosas en factura y atacadas con una pasión arrolladora, elevan tu espíritu, de igual manera que la tristeza, y ese “Hurt so good”, que cantaba el de Bloomington, te envuelve en un estado de ensoñación en los temas más suaves, que no delicados, ya que éstos, también son un grito en la noche, un llanto irreprimible, una soledad que crece y se lamenta.

Todo ese torrente, ese caudal poderoso de emociones, lo transmite la banda. Pero es Brittany Howard quien lleva las riendas de esta maquinaria de hacer emociones con siete notas. La voz de la cantante, y sobre todo, la manera de cantar es algo hermoso, hiriente, demoledor. Da la sensación de que la esencia de Otis Redding se hubiera encarnado en esta chica que vive cada canción como si fuera la última.

Respecto de Brittany y su imagen y la del grupo en sí, no quiero dejar pasar un comentario que leí, firmado por un idiota, todo sea dicho, que afirmaba que si bien la banda sonaba muy bien, la imagen no era su fuerte. Me encabronó. ¿Qué ostias pasa? Estamos hablando de música, no de erótica, ni de estética ni de la semana de la moda de Paris. ¿A esta miseria hemos llegado? ¿La cantante no sólo debe tener una voz asombrosa sino que debe cumplir una serie de cánones estéticos? Todas esas petardas que mueven el culo, siliconado o no, deberían de intentar vender su alma, y sus tetas de goma por tratar de llegar a la altura de Miss Howard. Y todos esos pajilleros que prefieren un culazo envuelto en una talla 36 antes que una canción, deberían leer el Vogue y no el Ruta o el Popu.

Siento esta soflama, pero si no lo suelto, reviento.
¿Para qué hablar más? Si, tras escuchar las canciones y ver los videos, tienes dudas, es que estás muerto.

Alabama Shakes:I Ain't The Same




lunes, 20 de febrero de 2012

Aberraciones Sonoras: Las Rock-Covers más bizarras

Aviso para navegantes: La música que van ustedes a escuchar a continuación puede herir su sensibilidad. Escúchenlo bajo su propia responsabilidad. La dirección de este blog no se hace responsable de las posibles secuelas.

Las vesiones, ahhh… el mundo de las versiones. ¿Que músico no ha hecho alguna vez un cover de su canción favorita?. Las hay de todo tipo: las que están tan fielmente tocadas que en realidad parece la versión original remasterizada, las que el artista en cuestión le da la vuelta de tal forma que la convierte en una canción distinta, las que se llevan a otro terreno y estilo musical, las que se tocan aceleradas, las que se tocan ralentizadas, las cantadas en idiomas exóticos, las versiones buenas, las versiones malas…….. y en una dimensión aparte de todo lo anterior están las cagarrutas. Las cagarrutas se diferencian de las malas versiones en que traspasan el límite de la seriedad. Quienes perpetran las cagarrutas lo hacen convencidos de que lo que hacen es algo “serio”, aunque el oyente tenga la sensación de que le están gastando una broma. Pues bien, hace pocos días descubrí en la red por puro accidente una serie de cagarrutas que podrían competir entre ellas tranquilamente como “la peor versión rock de la historia”, es algo alucinógeno que voy a compartir con todos ustedes, damas y caballeros.



>Cagarruta nº 5: ¿Os acordáis de la película “Fiebre Del Sábado Noche?. Como para no acordarse, ¿eh?. ¿Recordáis la famosa canción “Stayin’ Alive de los Bee Gees?. Pues no se sabe por qué extraña razón, no se sabe que extraña sustancia se había metido el Madman en el cuerpo para tomar tal decisión, pero Ozzy Osbourne decidió un buen día hacer una versión libre de dicha canción. Para añadir un toque “marciano” al tema, contó con la colaboración de Dweezil Zappa a la guitarra. Y lo que salió de esa locura de sesión fue la más bizarra de las versiones que se han hecho de la canción. De piedra me quedé la primera vez que escuché aquello de “ah, ah, ah, ah, stayin’ alive, stayin’ alive…..” en la voz de Ozzy. Musica disco desde otra dimensión.

Ozzy Osbourne & Dweezil Zappa - Stayin Alive



Cagarruta nº 4: Supongo que todos saben quien es Shakira. Sí hombre, esa moza incapaz de decir dos frases seguidas sin soltar un gorgorito o un gallito entre medio. Una mañana Shakira se levantó rockera. “Esta noche haré una versión de AC/DC”. Se fue al pabellón, obligó a la banda a aprenderse “Back In Black” a toda prisa mientras ella canturreaba por encima, y por la noche, ante un publico que no daba crédito a lo que estaba escuchando, interpretó la canción a su libre albedrío. Lo que esta chica es incapaz de comprender es que ni su voz, ni su manera de cantar, ni sus gallitos, son compatibles con esa canción. Por no hablar de su público. El caso es que la banda es muy competente, suenan muy bien, perfectos diría yo…. hasta que la moza entra en acción y comienza a soltar todo tipo de gorgoritos tiroleses. Si Brian Johnson la pilla, la saca del escenario a gorrazos.

Shakira- Back In Black (Live)



Cagarruta nº 3: “Hotel California” es una de las grandes canciones de la historia del rock. Nadie lo duda. Hasta que la sobreexposición que de ella hizo cierta emisora de radio me hizo odiarla. Sonaba a todas horas y en todas partes (todo el mundo sintonizaba la dichosa emisora). Pues bien, la versión que os presento tuvo el dudoso honor de hacerme prestar atención a una canción que he acabado aborreciendo. Perpetrada por los Gipsy Kings, un combo francés de rumbita catalana que canta en un idioma propio e ininteligible, y que increíblemente tuvo un cierto éxito con ésta espantosa versión. Si alguien es capaz de entender, o más difícil todavía, explicar que cullons es lo que cantan, por favor me lo explique, me pica la curiosidad. Sabéis eso que se cuenta de que ésta es una canción satánica ¿verdad?. Escuchando ésto he llegado a la conclusión de que es cierto, y que el Maligno se cobró su deuda creando a Gipsy Kings.

Gipsy Kings - Hotel California



Cagarruta nº 2: Nos vamos de musical. Muchos de vosotros recordaréis Hair, la “Opera Hippie” por excelencia de los años 60, que dejó temas estelares como “Aquarius”. Un buen día Raphael, nuestro castizo Raphael, tuvo un sueño. Se levantó de la cama, se puso flores en el pelo, se colgó el logotipo de su Mercedes al cuello cual símbolo de paz, y comenzó a canturrear “Aquarius” con su macarrónico inglés. Y decidió pasar a la posteridad grabando la experiencia. Aunque la verdadera experiencia es para quien tiene el valor de escucharla. El tío canta en el inglés que se habla en su Linares natal, y sumado a su peculiar voz hace de éste artefacto una bomba de relojería. Recomendado para amas de casa fans de Raphael a las que les importe un pepino que cojones está cantando. Alucinógeno.

Raphael - Aquarius



Cagarruta nº 1: Y con el número uno… presentamos a La Cagarruta por excelencia, un clásico. Supongo que todos vosotros ya habréis escuchado la canción, porque es un highlight en Internet y el resto del ciberespacio. Cuenta la leyenda que el cantaor flamenco El Príncipe Gitano, estando en Las Vegas acudió a un concierto de Elvis, y quedó tan maravillado por la experiencia que decidió hacerle al Rey su particular homenaje. Cogió el himno “In The Ghetto” y….. cómo decirlo…… no sé…… la “deconstruyó”, como dicen ahora. Es la versión (y no versión) más hilarante que he escuchado en mi vida. La pronunciación es tan espantosa que provoca la risa. En serio, a veces parece una broma. Nuestro héroe se matriculó en la academia Opening después de que ésta cerrara. Cuando escucho esta “cosa” tengo la impresión de que El Príncipe Gitano se descojonó de todos nosotros a la cara. Si embargo tiene ese poso de “seriedad” que la hace todavía más inquietante. Es emocionante cuando se arranca con esas bonitas estrofas, “And de esnau frai, on de corneingrei, in Chicago mun, beibi veri charlismarnins…….” Y continúa con “An de jar mama crai, cos denifin guan sidosidonin, mordidienglin maunfin, in de gueto, in de guetoooo……” En fin, escuchadla bajo vuestra responsabilidad, yo no me hago cargo…….

El Príncipe Gitano - In The Gheto

viernes, 17 de febrero de 2012

Discos que escuchar en Denver cuando estás muerto : Miles Nielsen


Segundo disco del músico norteamericano Miles Nielsen, a la sazón, hijo, de Rick Nielsen del guitarra solista del grupo Cheap Trick. Este hecho podría ser un hándicap para el desarrollo del músico o un error para todos aquellos que buscan una segunda parte de la banda de su padre. Pero este Rusted Hearts, no es, afortunadamente, nada de los posibles errores que pueden, o suelen cometer los hijos de los músicos.

Nielsen ya apuntaba maneras en su primer disco, pero es en esta nueva aventura musical donde ha desarrollado parte de ese potencial que ya era vislumbrado. Rock N Roll, sonidos Pop, música que se acerca a sonidos teatrales y guiñolescos. Sección de viento y arreglos que confluyen en una amalgama de sonidos de factura exquisita y adictivas escuchas.

Y, la verdad, desgranar más concienzudamente la obra de este gran autor, visto el tiempo tan inclemente que hace..Pues como que no... o ¿para qué?....Mejor escucharlo.




miércoles, 15 de febrero de 2012

Discos que escuchar en Denver cuando estás muerto: Lorrainville




Hay discos que, cuando caen en tus manos, tu cabeza, y también tus manos están pensando en otras músicas, en otros músicos. Así, grandes canciones y buenos autores son condenados a un ostracismo inmerecido y los que estáis hay, al otro lado, de la pantalla, tal vez, perdáis ese disco que os estaba haciendo falta desde hace tanto tiempo.
Por ello consideramos justo rescatar de ese Denver anímico grandes obras, grandes compositores y ofrecéroslas.

Lorrainville, además de ser un pueblecito de Francia y tener su sosias en la zona francófona de Canadá, es un curioso proyecto que comenzó con un juego en internet llamado “Haz tu propia portada” La cosa derivó en una portada ganadora. Sólo faltaba el grupo que respondiera ante dicha portada. Y los mejores músicos de Holanda y otras partes de Europa se pusieron a ello.

El resultado fue un disco colectivo en el cual intervenían más de cuarenta músicos, Tommy Ebben, podría ser uno de los más conocidos por estos lares. Aunque sus compañeros de proyecto, por desconocidos que sean, no desmerecen en absoluto. Porque Lorrainville es un disco hermoso. Lleno de sonidos norteamericanos; cercanos a la música que tanto amamos por estos lares.

El año pasado no pude presentarlos y la conciencia me reconcomía instándome a reparar tal error.
Así que… aquí tenéis, si os place, esta maravilla llamada Lorrainville.




martes, 14 de febrero de 2012

Feliz día de Tom Petty y sus Rompecorazones


La idea de ese genial Blog que es On The Route de convertir este 14 de Febrero en el día de Tom Petty And The Heartbreakers nos resultó tan atractiva y acertada a los que suscribimos este humilde Blog., que nos sumamos de manera entusiasta a esa exigencia, que debe volverse clamor multitudinario, de traer al músico de Florida a este país para que nosotros, y estoy seguro que vosotros también, podamos cumplir ese sueño, hasta ahora lejano de ver en directo a Petty y sus Rompecorazones y escuchar entre esa multitud a la que muchas veces canta el amigo Tom, canciones tan fantásticas como las que encontrareis abajo.

Feliz día de Tom Petty y gracias Chals.


Tom Petty - Zero From Outer Space


lunes, 13 de febrero de 2012

Johnny Winter: “Let me In” / “Hey, Where’s Your Brother?” Blues albino en los 90


Acabo de ver la actuación que el bueno de Johnny Winter ofreció hace poco en el Show de David Letterman. Es en esos tres escasos minutos, donde se demuestra la raza y el orgullo del superviviente. No importa que tenga que tocar sentado, da igual que esté casi ciego (ese parche que luce tapándole el ojo me ha impactado, la verdad), o que tengan que ayudarle para andar. Da lo mismo porque cuando se sienta, se cuelga su firebird, se coloa el slide en el meñique y empieza a tocar blues, aparece ese aura invisible que tienen los grandes de verdad.
No hay que engañarse, aquel Johnny Winter arrollador de los primeros años noventa ya no existe. Aquella fue posiblemente y en términos musicales la mejor época de su carrera, no la más famosa (en los 60-70 en Estados Unidos era un semidios), pero en la que grabó dos de sus mejores discos, al menos en mi modesta opinión. En 1991 salió al mercado “Let Me In”, un grandioso disco de blues rock en el que da rienda suelta a su faceta más salvaje con una banda de clásico formato trío. Disparos como “Barefootin’”, “Ilustrated Man” o la frenética “Hey You” (que armónica, madre mía), se intercalan sin ningún problema con rítmicos rockanroles, “You’re Humbuggin’ Me”, “Shame, Shame, Shame”, o con blues sucios y áridos “Life Is Hard”, “Blue Mood”, o “Medicine Man”. A todo ello se le suma un sonido espectacular, unos músicos increíbles, y un Johnny Winter en estado de gracia a la guitarra, lo que lo convierte en un clásico de la discografía del albino.


Un año más tarde repite propuesta con otro espectacular trabajo, “Hey, Where’s Your Brother?”, en el que repite los mismos esquemas del anterior, mismo sonido, misma banda (con el añadido de su hermano Edgar Winter que mete saxos y pianos).... y por supuesto Johnny y su eterna guitarra. Cuando se cuelga la Lazer blanca y arranca con “Johnny Guitar” sientes como se te van los pies y te descubres tarareando la canción. Blues rock de primera: “White Line Blues”, “Got My Brand On You”, “Hard Way”….. y un momento especial con la canción navideña “Please Come Home For Christmas” en la que destaca Edgar (que voz tiene éste tío) con el saxo y los coros, dando el contrapunto a la negra voz de Johnny. Un álbum divertido y con una buena dosis de humor: el título del disco es una broma privada de los dos hermanos, que debían estar constantemente escuchando aquello de : ¿Hey, dónde está tu hermano?. O en la divertida canción “You Must Have A Twin” (debes tener un gemelo) compuesta por los dos hermanos (que no son gemelos). Un gran disco parido en su mejor momento, una gran época en la vida de éste hombre en la que la banda era una auténtica apisonadora en directo. Yo creo que con éstos dos discos tocó techo como guitarrista, nada de lo que hizo después puede competir con la forma de tocar que tuvo en esa etapa de su vida. Todavía tengo en VHS la grabación de la actuación que dieron en Barcelona en 1991 y que emitieron por la 2 de TVE, y se marcan un show increíble. Aquí abajo tenéis unas canciones de ese concierto. A disfrutar….


Para terminar una curiosidad que acabo de leer: Durante una temporada el albino tuvo verdadero pánico a la muerte, parece ser que pensaba que iba a palmarla en cualquier momento. ¿El motivo?: Jim Morrison acababa de morir en París y tenía 27 años, ya sabéis “la maldición de los 27”. Pues bien, Johnny Winter también contaba con 27 años, y vivía convencido de que él iba a ser el siguiente. Pero no era la “maldición de los 27” lo que le atormentaba, su teoría es que la muerte persiguió a toda esa gente por la J que había en sus nombres o apellidos: Janis Joplin, Brian Jones, Jim Morrison, Robert Johnson…. Supongo que las drogas que tan libremente corrían en aquella época tuvieron algo que ver en su paranoia, pero bueno, no deja de ser una historia cachonda…..





viernes, 10 de febrero de 2012

Chuck Prophet: Al fin, tras tantas nubes grises, pedacitos de Sol


Mi ego está encantado. El sabía que Prophet guardaba en su interior un gran disco. Un álbum único. Lleno de canciones maravillosas, sólidamente interpretadas y llenas de esa magia especial que hacen que dejes todo lo que estás haciendo y concentres toda tu atención en esa puñetera tonadilla que, suena como otras, que se desarrolla como otras miles de canciones pero… posee esa magia única, especial. Ese poder inexplicable y, podríamos decir, gravitacional que hace que la canción se te pegue a la piel, que te domine en esos tres putos minutos y haga de tu mundo algo maravilloso.

Mi ego está contento porque, sabía, el muy cabrón, que “Temple Beautiful” estaba en alguna esquina de la mente, o del corazón, o del alma del ex Green On Red.
Han tenido que pasar diez discos con Green On red y, sobre todo, once en solitario, para que Prophet haya parado mi corazón en seco y le haya dado la vuelta como un calcetin. Llenandolo de melodías, coros, guitarras y canciones que, en su estructura orquestal, o en la manera de hacer que suenen los instrumentos, recuerdan a cierto tipo de New Jersey y su magnífica banda. Óyete “Play That Song Again” y dime si no te suena al sonido E Street.

Las doce canciones de este disco se mueven por caminos del Rock N Roll correoso de factura más clásica y cercana al ya mencionado, sin dejar de lado los sonidos tradicionales del más puro sonido Rock norteamericano. Pero también hay bellezas como “Museun Of Broken Hearts o medios tiempos tan hermosos como “He came from so far away (red man speaks)”.Pero esos Rock N Rolles tan adictivos como “Temple Beautiful” o ese temazo que se titula “Willie mays is up at bat” con ese final que, a mi me recuerda poderosamente a la canción “This Time” del grandísimo John Mellemcamp incluida en su cuarto álbum “Nothin Matters And What If It Did” editado en 1980.

Como anécdota decir que ¿soy yo, o Prophet me recuerda cantando, sobre todo en este disco, a ese genio del Rock llamado Ray Davis? Hecho este, que a éste que suscribe, no sólo no le preocupa lo más mínimo sino que le agrada considerablemente.

Y como anécdota bis comentar que la letra del single “White night big city” hace referencia a los disturbios que sucedieron tras la condena, muy indulgente, todo sea dicho, del asesino del supervisor , abiertamente homosexual de San Francisco, Harvey Milk y su alcalde George Moscone. La comunidad Gay tomó las calles provocando graves tumultos que culminaron en arrestos multitudinarios y una ciudad resquebrajada, a todos los niveles. El video que teneis abajo, muestra escenas de dichos eventos e imágenes del malogrado alcalde de San Francisco y de Harvey Milk.

Se aconseja este disco si quieres mirar más allá de este velo absurdo de podredumbre al cual nos están acostumbrando esa gentuza que, tristemente, se consideran los amos del mundo. Y que, sin embargo, nunca serán dueños, ni de nuestros corazones y menos aún de nuestras orejas. Sobre todo si hay profetas como Chuck cantando verdades.


Chuck Prophet: Temple Beautiful

Chuck Prophet: Willie Mays Is Up At Bat


miércoles, 8 de febrero de 2012

Thomas Wynn & The Believers : A veces, la vida te acuchilla y el alma se te escapa a borbotones


Este mundo que se ha vuelto frio por fuera, imitando la frialdad interior que nos congela el alma; ha visto aparecer el segundo disco, el tercero si queréis contar el álbum en directo, " Live At Skipper's" que Wynn y sus creyentes publicaron el año 2010.

“Brothers & Sisters” Es una de las cosas más dolorosamente hermosas que he escuchado en tiempos. Un compendio de canciones que,(a) parecen, quebradizas y que, sin embargo, respiran con una fuerza primitiva, musculando cada estrofa, cada nota, como un grito primigenio. Algo que late en el fondo de todas aquellas personas que aún saben sentir, quieren sentir, pueden sentir.

Las diez nuevas canciones del músico de Orlando se cubren con la manta del Gospel, del sonido más Roots y primitivo de la música tradicional norteamericana, y Soul, poderoso y emocional Soul que transmite el músico de Florida en cada pedazo de alma que se arranca en cada canción que interpreta. Todo ello electrificado, todo ello lleno de una poderosa energía que brota desde lo más profundo de un alma que, aún escondida, está viva y puja por cubrir todo de la misma emoción que le insufla vida.

Thomas Wynn canta, a veces pareciera morir tras terminar la canción, y toca la guitarra; Olivia Wynn hace coros y toca el órgano y la pandereta; Chris Bell sopla la harmónica de una manera excepcional, hay que decirlo. Con registros, en ocasiones, similares al del músico John Popper; Tim Turner es el guitarra solista y coros; Rion Smith es el batería; y Matt Lapham el bajista de estos maravillosos Believers que adornan y elevan al cielo más oscuro de este mundo las canciones que Wynn ha creado en este hermosa segunda aventura discográfica.

Nueve canciones originales y una versión, “Alright” de su propio disco de 2009, “The Reason” altamente recomendable.
El disco, producido por el propio Wynn, está lleno de pedazos de pasión, de letras arrebatadas, de una necesidad de cantar, casi gritar, lo que siente. El resultado es Brothers & Sisters.

Pura belleza.




lunes, 6 de febrero de 2012

CANCIONES PARA UNA VIDA (3º Parte)


Todos hemos tenido algún primerizo héroe musical, aquel que te marcó porque el suyo fue el primer disco que compraste, o porque lo viste en directo y flipaste como los críos (bueno, es que eras un crío), aquel que te dejó huella como las cicatrices.
A principios de los años ochenta, ese peligroso virus llamado Rock And Roll se había empezado a apoderar de miles de chavales de Pamplona y sus alrededores. Chavales que contábamos con 15, 16, 17 años, y que ya empezamos a seguir a las bandas que por aquí se iban formando. Pabellón Negro, Tensión, Eros, Mugre, Porkería T, Farenheit, Camelot, Barricada, Kafarnaun, Ligarza, las chicas de Belladona….. una gran cantidad de gente haciendo sus cosillas, mucha si tenemos en cuenta la población de Pamplona….. El boca a boca era suficiente para promocionar los conciertos, que se celebraban en lugares que han quedado para la historia del rock Pamplonés: el Parque Antoniutti, la Plaza del Rastro de la Txantrea, la Plaza de Orvina, los modestos escenarios de las fiestas de los barrios, la Plaza Ezkaba, el Toxo Gorri de Ansoáin….. Por estos sitios pasaron la casi totalidad de los grupos locales.
Entre toda aquella tormenta musical, había un grupo que a mí me encantaba, asistía a sus actuaciones sin pensármelo dos veces cada vez que confirmaban un bolo: se llamaban Tubos De Plata. Llevaban más tiempo rulando que los demás, eran como los hermanos mayores del resto de bandas, y tenían una excelente calidad musical para los tiempos que corrían, a pesar de que sonaban, quizás de forma premeditada, de forma cruda y directa. No eran heavys, no eran punkys, no eran rock urbano. Eran Tubos De Plata. Lo que más llamaba la atención era la voz de Jose Miguel, su cantante. Fuerte, chillona, única, algo parecido a un desafine perfectamente controlado, y los secos riffs de guitarra de Luis Pardo, del que no sé dónde he leído que formó parte de una de las diferentes formaciones de los míticos Tapimán (aunque ese dato a mí no me suena). Poco a poco se convirtieron en una especie de ídolos locales, actuaron mano a mano con Barricada en el Pabellón Anaitasuna, compartieron escenarios con el resto de grupos en Pamplona y alrededores, y ya tenían una fama más que merecida.


Editaron un single, “Luz Verde/Dando Bandazos”. “Luz Verde” se convirtió de inmediato en el tema clásico, en el himno de la juventud roquera pamplonesa. Hoy en día todavía encuentro amigos que me cantan el estribillo cada vez que sale el nombre de Tubos De Plata a relucir. Posteriormente compartieron disco con Eros y Camelot en el que metieron tres nuevas canciones: la trepidante “Laberintos”, la rockera “La Bestia”, y la joya del disco, “Cicatrices”, canción que me tuvo enganchado durante años, en mi modesta opinión la mejor canción parida en Pamplona en aquellos años. Increíble tema, en un principio triste y dramático, con un aire a Pink Floyd, y que va subiendo poco a poco hasta acabar a guitarrazo limpio convertida en una tormenta eléctrica. Una de las canciones que más y mejores recuerdos me traen de aquella época.
Total, que a las puertas de entrar a grabar su primer Lp, inesperadamente deciden dejarlo, desaparecen del mapa, y dejan el mundillo musical pamplonés con el escaso bagaje de cinco canciones editadas en plástico, y un video casero que circula en You Tube, “Sorpresas En La Noche”, canción bastante dura, en la que rozan el heavy metal. Fin de la historia. Posteriormente circuló por ahí la maqueta de lo que iba a ser el disco, maqueta que se podía conseguir en cassette en tiendas de discos locales, pero llegué tarde y desde entonces estoy buscándola sin resultado (por cierto, si alguien me puede decir como conseguirla, le estaré eternamente agradecido). En la actualidad, escucho por ejemplo a Barricada y lo disfruto (no olvidemos que Barricada es LA BANDA pamplonesa por excelencia). Pero cuando pongo en el tocadiscos a Tubos, me vienen a la cabeza instantáneamente aquellos tiempos, eso es lo que me transmiten. Es curioso como cuando me junto con amigos que vivieron todo aquello, todos, absolutamente todos, pronuncian las mismas palabras: “Joder tío, Tubos de Plata, que buenos eran, ¿te acuerdas?”. Por lo menos dejaron huella, que no es poco.


Tubos De Plata - Luz Verde

Tubos De Plata - Cicatrices


viernes, 3 de febrero de 2012

The Honey Wilders : Golfos y Cierrabares


The Honey Wilders, toman su nom du guerre de la actriz de cine porno de los ochenta, Honey Wilder. La cual, realizó unos 90 films. No son 90 los discos que la banda originaria de San José, California, han grabado; ya que este magnífico Singles for Singles es su disco de debut.

Once canciones que se mueven por calles tan dispares y a la vez tan próximas como Cheap Trick, en la canciones “Hey” “Sweet Alice” o en “Wake Up and Smile” aunque aquí le coge de la mano, también a los Badfinger, Led Zeppelin, “Heavy Side”, The Raspberries, “Light Of Day”, los Kiss de “Hotter Than Hell”con la canción “Life in Stereo” o el Rock N Roll machote de los años setenta tipo Grand Funk Railroad o Black Oak Arkansas, caso de “Sugar Mama” o “Family Ties” e, incluso, los Beatles como en la canción “Don´t Blame Me”. Entre medio se meten sonidos que podrían haber compuesto el Elton John de”Benny And The Jets”, Marc Bolan o Mott The Hoople.


Esto significa que el sexteto californiano tiene algo más que amor, yo diría veneración, por la música de los años setenta. Y es a este estilo sonoro al que la banda se ha consagrado en carne y alma. Ya que este “Singles For Singles” es maravillosamente carnal y lleno de vida en cada estrofa, cada nota, cada vacilada que estos bichos malos que atienden por: Phillip "Honey" Ayer Cantante y harmónica,quien ,por cierto, manifiesta un notable parecido con el abogado farlopero, interpretado por Sean Penn en la pelicula Carlito's Way. Marshall "Wilder" Brengle – guitarra y voces, Aaron "Papa" Madsen – guitarra solista y voces, Ryan "Thunder" Barry bajo y voces, "Precious" Tommy Wasson – guitarra y voces y "Bunny" Rendler, batería.

Todo el disco es un canto a la luz del día, a las sonrisas, a las noches de mambo y borrachera en garitos llenos de malincuentes incluso a este sol de Invierno tan ajeno a los días que pasan, y que, inteligentemente, nos ignoran.
Riámonos de todo, empezando por nosotros mismos, y pongamos a los Honey Wilders como banda sonora, seguro que merece la pena.

Y como muestra os dejamos unos audios del disco y una maravillosa versión del Rock and roll Queen de Mott The Hoople.

The Honey Wilders - Hey

The Honey Wilders - Wake Up and Smile

The Honey Wilders - Life In Stereo


miércoles, 1 de febrero de 2012

J Kelley : Un Pueblo Entre Springsteen Y Springfield


Desde New Bedford, Massachusetts, llega J Kelley y su banda. George Piva, en la guitarra solista. Rob Massoud al bajo y coros y Gabe Cabral a la batería y coros, sin olvidar la adicción de Colin Bradley a las teclas. Y ese sonido. Esa mezcla explosiva entre el Rock N Roll de tintes Springstinianos, el PowerPop- Rock de ecos cercanos a Rick Springfield y sonidos que se abrazan al Roots y el americana más eminentemente norteamericano.

Que el músico de New Bedford respira música por cada poro de su cuerpo se evidencia en cada nota que Kelley ejecuta en sus canciones. Y es algo que ha vivido en su casa desde que era un crio y eso es algo que se nota en la actitud que tiene encima de un escenario. Ese efecto Clark Kent/Superman que los músicos de su banda dicen que kelley tiene cada vez que toca. Esa imagen de chico bueno, sobre todo si va con gafas, se transmuta en poderosas actuaciones llenas de energía y apasionadas interpretaciones.

Catorce canciones, todas compuestas por Kelley, forman están maravilla llamada Reservoir, donde brillan canciones como “Kings of the Fireside”,” Sophia Rose” magnífica, “Justice” o “No Way to Go Down”.

Agarrado a una Telecaster. De principio a fin, el músico emula todos esos sonidos de los que se considera un absoluto fanático: Beatles, Dylan, los Rolling. Sobre todo Tom Petty y, su banda favorita, The Hold Steady. Y ese apasionamiento del músico se traduce en unas canciones que tienen esas ganas de contagiar, a quien las escuche, esa manera de querer comerse el escenario, el aparato de música, tus orejas, en definitiva.

Este fanático de los tebeos, tiene un par de tattoos de un par de personajes. Y a mí esto hace que me caiga todavía mejor, y del Rock N Roll, te eleva por encima de todos estos cuerpos encogidos con los que te cruzas por la calle y pone una banda sonora magnífica a tu vida..Si tú quieres.